servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di giovedì 19 novembre 2009) – Presentata a Roma il 16 novembre l’anteprima assoluta del capitolo due, firmato dalla scrittrice Carolyne Meyer.
Twilight non ci era piaciuto ed è inutile nasconderlo, ma se possibile New Moon ci è piaciuto ancora meno.
In compenso abbiamo trovato il modo di sintetizzare questa saga, giunta al suo secondo episodio. Prendete un film horror del tipo più classico, vampiri, licantropi, stregoni e inseritelo nel mondo creato già da anni da Moccia ed ecco a voi la pellicola in questione.
Non lo sapevano fino a qualche tempo fa ma vampiri e uomini lupo altro non sono che giovani adolescenti, affamati di tutto fuorchè di sangue (parliamo di sesso e muffin, eh si proprio muffin), che passano le loro giornate a struggersi per amore, parlando tra loro come i protagonisti di Dawson’s Creek.
Triste? No peggio. Se si pensa che questo film promette di essere uno dei più amati e seguiti dai giovani di oggi tra cui sono in migliaia ad esserne fans sfegatati.
Addirittura nella storia si inneggia in qualche modo al suicidio d’amore, come fosse una cosa che accade sempre in certi casi e che può essere contemplata nel calcolo delle probabilità quando una relazione finisce.
Vorremmo trovare qualche spunto positivo almeno negli effetti speciali o nella sceneggiatura. Ma considerando che la traformazione da uomo in lupo appare fatta al computer anche a chi non ne ha mai visto uno e che quella di ‘Un lupo americano a Londra’ era diversi gradini sopra allora c’è da riflettere.
Qual’è l’utilità di un lavoro come questo se non attirare orde di liceali urlanti nella sale cinematografiche, attirati solo dalla fama che ormai i creatori di Twilight hanno ottenuto.
Tanti ingredienti scadenti, come protagonisti che di giorno girano sempre a torso nudo (senza che se ne comprenda l’utilità) mente si ritrovano con il dormire vestiti, improbabili cadute in motocicletta, assurdi salti da scogliere di altezza non ben identificata e chi più ne ha più ne metta. Perfino un viaggio a Volterra, in Italia, trasformata dalla scrittrice Mayer in capitale dei succhisangue e dove appunto sono state girate alcune scene di questo secondo episodio. Il quartier generale dei tra Volturi (vampiri antichissimi e potentissimi) si trova nel vicolo mediaevale più antico al mondo, peccato solo che nel romanzo e nel film non sia specificato che il vero nome della location è ‘Vicolo del Pisciatoio’.
Attori che recitano da cani è il giudizio più attinente al tema che ci viene in mente parlando dei protagonisti.
Per il resto preferiamo fermarci qua, del resto c’è ben poco da poter aggiungere vista la mancanza quasi assoluta di spunti artistici anche lievemente interessanti.
Soporifero e sopravvalutato.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di giovedì 12 novembre 2009) – Roland Emmerich, l’imperatore dei ‘disaster movie’ sta per vedere l’uscita nelle sale del suo nuovo colossal ‘2012′. La fine del mondo, tragica, devastante ed inevitabile è la protagonista di questo film costato centinaia di milioni di dollari e che vede protagonista un John Cusack nel pieno della sua forma, la bella Amanda Peet e diversi altri attori convincenti, tra cui Danny Glover nel ruolo del ’solito’ presidente degli Stati Uniti d’America.
La storia è nota ai più, dato che è stata pubblicizzata a lungo da tutti i mezzi d’informazione, ma brevemente ve la riassumiamo. Secoli fa, i maya ci hanno lasciato il loro calendario con una chiara data di conclusione e tutto quello che implica questa scelta. Da allora, gli astrologi hanno analizzato questa profezia, i numerologi hanno trovato dei modelli che la annunciano, i geologi sostengono che è un evento atteso sulla Terra e anche gli scienziati governativi non possono negare il cataclisma di proporzioni cosmiche che attende il nostro pianeta nel 2012. Una profezia nata con i maya e che ora è stata ben delineata, discussa, messa in evidenza ed esaminata.
Arrivati al 2012, non potremo negare di essere stati avvertiti quando scopriremo che il pianeta, come noi lo conosciamo, sta per essere spazzato via e con esso la maggior parte di noi e delle nostre certezze. Il primo a scoprire la cosa ovviamente sarà il Governo che cercarà di tenerlo nascosto alla popolazione inerme.
Da queste basi si snoda la pellicola di Emmerich che fa degli effetti speciali la sua arma più efficace. Attenzione però non solo quello.
Infatti la trama è scorrevole, coinvolgente, appassionante. Si rimane incollati allo schermo e si soffre insieme ai protagonisti per ciò che avviene sul grande schermo.
Certamente insieme ad ‘Indipendence Day’ e ‘The day after tomorrow’ questa è l’opera maggiormente riuscita del cineasta nato in Germania ma adottato professionalmente da Hollywood.
Sfondo alla storia è anche una critica molto pungente alla politica mondiale. I capi di governo vengono dipinti come oscuri macchinatori che pensano prima ai propri interessi che a quelli dei popoli che rappresentano.
In questo discorso ci sono delle eccezioni, come era facile prevedere, quali il presidente Usa e (udite, udite) il primo ministro italiano (chi sarà mai attualmente? chiedetelo ai suoi detrattori tra i quali evidentemente non figura Emmerich) i quali preferiscono restare accanto alla propria gente  fino alla fine piuttosto che fuggire per salvarsi la pelle.
Macchine in fuga, che atterrano al volo nei ghiaccia del Polo Nord, precipitando da aerei in volo mente le montagne esplodono, i grattacieli si sbriciolano, meteoriti di fuoco cadono dal cielo ed infine gigantesti tsunami si abbattono su paesi e città.
Sarà la forza d’animo e l’istinto di sopravvivenza di una giovane famiglia a prevalere sull’immensa catastrofe.
In conclusione parliamo della solita ‘americanata’ e questo non possiamo negarlo ma così ben confezionata e studiata da risultare una visione godibile ed interessante.
Dopo tanto parlarne il rischio era quello di restare delusi ed invece il risultato finale è una picevole sorpresa.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

Vorrebbe essere divertente e coinvolgente la pellicola diretta da Grant Heslov con protagonisti George Clooney, Ewan McGregor e Jeff Bridges. In realtà l’ironia all’inglese che pervade il film lascia il pubblico spesso perplesso e ancor più spesso freddo.
Cosa però ancora più strana è che non si riesce a capire dove la sceneggiatura voglia andare a parare. Quale è lo scopo della trama anche piuttosto complessa? Quale l’insegnamento che sembra sia necessario trarne?
Dopo aver visto ‘L’uomo che fissa le capre’ ancora non siamo giunti alla giusta conclusione e temiamo purtroppo di non riuscirci mai.
Cosa ci resta nella memoria? Clooney che dimostra di essere bravo anche nel non recitare la parte del bello e tenebroso ma nell’assumere le caratteristiche di uno strano ex militare svitato. Ma delle sue abilità già sapevamo.
Bob Wilton (Ewan McGregor) è un giornalista di mezza tacca che dopo la fine del suo matrimonio, si reca in Medio Oriente affamato di scoop. Lì incontra Lyn Cassidy (George Clooney), da oltre vent’anni membro di un reparto segreto dell’esercito statunitense che si prefigge di utilizzare facoltà paranormali in campo bellico. Scopre così che l’esercito e il modo di combattere sono cambiati: il bizzarro reparto si prefigge di utilizzare poteri psichici per poter leggere i pensieri del nemico, passare attraverso solide mura e perfino uccidere una capra semplicemente fissandola. Quando il fondatore del reparto Bill Django (Jeff Bridges) sparisce, Cassidy intraprende una missione per trovarlo e Bob si unirà a lui incuriosito dalle sue inverosimili storie.

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servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di mercoledì 4 novembre 2009) – Ha rivoluzionato il mondo dei serial tv creando «Miami Vice», ha firmato il primo film con Hannibal Lecter («Manhunter»), ha impresso al thriller e al noir nuove forme di stile ed energia: Michael Mann, il regista di film come «Insider» e «Collateral»  era ieri nella capitale per presentare il suo ultimo lavoro, con protagonista Johnny Depp: Nemico Pubblico. In serata poi ha anche incontrato il pubblico dopo la proiezione in anteprima della pellicola.
Il film racconta la storia del mitico fuorilegge dell’epoca della Grande Depressione Economica Americana, John Dillinger (Johnny Depp)—il carismatico rapinatore di banche reso dai suoi raid lampo l’obiettivo principale del migliore agente dell’FBI dei tempi di J. Edgar Hoover, Melvin Purvis (Christian Bale), e divenuto una sorta di eroe popolare agli occhi degli americani di quel periodo. Nessuno poteva fermare Dillinger e la sua banda. Non esisteva prigione dalla quale non riuscisse ad evadere. Il suo carisma e le rocambolesche fughe dalle prigioni lo rendevano interessante agli occhi di tutti — da quelli della sua fidanzata Billie Frechette (Marion Cotillard) a quelli del pubblico Americano che non aveva simpatia per le banche responsabili di aver fatto precipitare il paese nella depressione. Ma mentre le avventure di Dillinger e della sua banda — che nell’ultimo periodo comprendeva anche due individui sociopatici dal nome Baby Face Nelson (Stephen Graham) e Alvin Karpis (Giovanni Ribisi) — intrigavano i più, Hoover (Billy Crudup) si riproponeva di utilizzare la pubblicità che la cattura del criminale avrebbe potuto generare in suo favore per trasformare il suo “Bureau of Investigation” nel dipartimento di polizia nazionale che è adesso l’FBI. Fece pertanto di Dillinger il primo Nemico Pubblico Numero Uno degli Stati Uniti d’America, mettendogli alle calcagna Purvis, l’affascinante “Clark Gable dell’Fbi’’.
Una pellicola di cui la critica ha tessuto le lodi in questi ultimi mesi e che promette di restare a lungo nella memoria del  pubblico che si recherà al cinema per vederlo. Per ambientazione ricorda quel capolavoro che fu ‘Gli Intoccabili’ ma  l’utilizzo della camera digitale ha permesso a Mann di dargli quel senso di reale che in un film di genere è assolutamente innovativo.

Il suo è un cinema della sfida, che ancora una volta ci propone un confronto tra due uomini che seguono ideali diversi. Come è riuscito nel 2009 a fare un fim classico e così sperimentale al contempo?
“Non so bene come questo film si inserisca nella mia filmografia. Io sono stato molto affascinato dal concetto di questa vita che ha brillato per un tempo brevissimo. Mi sono molto interessato all’idea di immaginarla e, se possibile, di immergere il pubblico all’interno dell’esperienza di un personaggio come Dillinger cercando di riportarlo in vita. Se il film funziona ci si trasferisce nella sua esperienza e questa è la magia del cinema, che ci consente di vedere le cose dall’interno. Io volevo vedere Johnny Depp in un ruolo simile, un ruolo che portasse in superficie le emozioni di Dillinger. E’ stata una sfida”.

Durante le riprese avete avuto in mano gli oggetti di Dillinger. Come è nato il film, vi siete ispirati a cose vere, per le leggende siete andati a scavare o vi siete solo attenuti al libro?
“Amo molto fare film d’epoca, e quando li giro mi chiedo come possiamo sentirci trasportati in quegli specifici momenti, giorni e anni. Per me l’imperativo era riuscire ad essere dettagliato per riportare tutti nel 1934, in quel momento a quella specifica ora, far sentire che quel personaggio era vivo…volevo riportare in vita il presente che è un passato ma con una simulazione molto forte, in modo che noi del pubblico potessimo viverla come una realtà.Come pensavano questi personaggi? Io ho cercato di capire la psicologia di quel periodo, come Billie potesse affidarsi alla fede; ho sempre amato gli anni ’30 e la fede era importante perchè questa gang affermava di agire sempre come se si trattasse di piccole operazioni militari, senza avere progetti per il futuro, per cui sapevano che alla fine il destino avrebbe fatto il suo corso. Non c’era nessun piano di fuga all’estero e questo mi ha affascinato, mi ha affascinato usare delle frasi che usavano loro, come: “bisogna fare ciò che si fa divertendosi”. Io sono cresciuto proprio nella zona dove c’era il Biograph, ho visto cosa veniva proiettato in quel cinema e la storia di Dillinger mi era molto familiare: quando passavamo lì davanti mio padre mi raccontava spesso la sua storia. Con lui non c’era una donna in rosso, ma con gonna e camicetta, quel dettaglio faceva parte della leggenda.Quando con Johny Depp siamo entrati al Little Bohemia Lodge nella stanza che lo aveva ospitato, ci siamo sentiti molto emozionati, perchè contribuiva all’immedesimazione. Stessa cosa vale per Bale, che era appostato tra gli stessi alberi in cui si era appostato il vero Purvis. Nella parte finale, all’uscita del cinema, morendo Johnny guarda gli stessi mattoni, lo stesso muro che Dillinger aveva visto negli ultimi istanti”.

Questo film ricorda molto alcuni western crepuscolari, come “Pat Garrett e Billy the kid”, nel suo ritrarre la fine di un mondo con il passaggio dai gangster  isolati, eroici, ai cartelli della mafia, allo strutturarsi dell’FBI. C’era l’intento di raccontare un epoca di passggio?
“I punti che ha sottolineato sono parte di una stessa immagine. Credo sia interessante il contesto della sua vita, con i grandi cambiamenti della società dell’epoca, questo mi ha interessato. La liquidità del crimine organizzato ne permise la transizione, la struttura della polizia si stava centralizzando in qualcosa di nuovo, quindi avevamo da un lato la polizia federale, dall’altro il crimine organizzato, entrambi contro Dillinger e parte di uno stesso contesto. Ma questa non è la storia che racconto, è solo parte del contesto del tempo. Quello che muoveva Dillinger, e che mi ha interessato, era la sua sete di vita: un uomo giovane, chiuso in prigione per 10 anni, che esce e vuole tutto subito e il fatto che tutto sia avvenuto in nove settimane, questo ha creato la sua leggenda”.

Una cosa interessante è come ha saputo portarci, grazie all’uso del digitale, all’interno di una guerra in cui sembra di essere in prima linea. Come ha lavorato, la incuriosisce anche il 3D?
“Mi piacerebbe avere il dialogo in 3D. Immergendo il pubblico in uno stato di guerra si ha coinvolgimento. Abbiamo scelto di usare il digitale una notte di pioggia a L.A.: avevamo una buick e delle comparse vestite con i costumi di scena, le abbiamo messe contro il muro ed effettuato una ripresa sia in digitale che in pellicola. Il primo restituiva appieno la realtà di quello che avveniva in quel momento, mentre la pellicola dava il sapore del tempo passato. Essenziale è stato anche far diventare protagoniste le armi: il museo di arte moderna ha queste mitragliatrici che sono effettivamente oggetti di grande arte. Quando le si usa se ne sente il rumore, la forza, si riesce a capire cosa si provava in quel momento. Ci siamo concentrati su suono, immagine, tutto quello che c’era in quella situazione. Si coinvolgono gli attori, ad esempio quando si guida un’auto del ‘30 la sensazione è diversa dal guidarne una moderna, e per un breve momento si ha la sensazione di stare lì: abbiamo cercato di far sì che tutto fosse reale”.

Si tratta di una storia già raccontata, ma le altre volte viene descritta come l’uscita dalla grande depressione. C’è in questo caso un legame con la realtà odierna?
“Si tratta in realtà di una coincidenza sfortunata, non è stata la crisi economica globale il motivo che mi ha spinto a girarla. Spesso ci si riferisce ad una storia in particolare perchè c’è un aggancio con la realtà, io sono interessato agli anni ‘30 da molto tempo, ho anche progetti che riguardano Parigi e la Spagna in quegli anni, i miei genitori li hanno vissuti e mi hanno raccontato come fosse viverci, lo stessi XXI secolo è nato dalla depressione che ha generato le forze che ci hanno mandato avanti”.

Elemento ricorrente nella sua filmografia è il protagonista che prende tempo per la riflessione. Qui questo momento emotivamente catartico sembra venire negato, è come se il protagonista fosse svuotato dall’elemento emotivo.
“Per me era importante quello che era nella sua mente: mi immagino seduto al suo posto nel Biograph, lo guardo mentre guarda il grande schermo, lui era l’eroe negativo del tempo, sempre sui giornali e si rivede nei panni di Gable che era in effetti modellato su di lui. Cosa penserò in quel momento, quali saranno le mie emozioni? E’ questo il punto focale della scena e la chiusura del film: sarebbe stato riduttivo aggiungere un dialogo, o un voice over che ne esplicitasse i pensieri. Volevo che il pubblico immaginasse ciò che Dillinger provava e vedeva”.

Ai tempi di “Collateral” ha dichiarato che era molto faticoso girare con attrezzature così ingombranti. Oggi è diverso, è per questo che usa il digitale? O solo per restituire quel senso di immediatezza, come ci ha detto?
“In effetti è diventato più semplice, ma per me il vantaggio principale  è ciò che il digitale mi consente di fare, 8-9 volte di più che con la pellicola. Lì bisogna sottostare alla chimica, qui ho più capacità di intervento, una qualità che punta al dettaglio, ma il digitale è utilizzabile anche in modo che non si veda la differenza con l’analogico. Il che, però, non significa che non tornerò alla pellicola, che mi piace molto”.

Vorrei tornare alla domanda precedente per rispondere al meglio: quando Dillinger siede nel cinema, sente che il suo tempo è giunto altermine? Se sì, come reagisce?
“Quando cammina fuori dal Biograph, è una liberazione, perchè sa che il suo percorso si è concluso: questo volevamo esprimere io e Johnny”.

Questo film è libero dal peso psicologico del cinema passato: è un approccio interessante perchè il protagonista non viene eroicizzato attraverso il racconto dei suoi problemi. E’ una nuova chiave per raccontare un personaggio negativo?
“Io volevo immergermi nella vita di Dillinger con le sue contraddizioni, non raccontarne l’infanzia e il passato come in una biografia. Non si sa niente del suo passato, ma i dettagli ci fanno entrare nel personaggio: all’inizio c’è l’abbandono del suo mentore, e si percepisce l’intensità del collegamento con quell’uomo. Anche quando fa evadere i suoi amici, comprendiamo il suo mondo emotivo, si apprende qualcosa di lui, anche se il pubblico non se ne rende conto. Questa è stata la sfida intriore che mi ha motivato”.

Quanto ha pesato la manipolazione dell’opinione pubblica nel trattamento del soggetto?
“E’ così che inizia storicamente. La manipolazione dei media inizia con una grande propaganda in maniera del tutto innovativa: nel ’29 a collegare l’America è la Radio, mentre nel ’33 tutti andavano al cinema. Avviene qualcosa nei cinema di tutto il paese, e Hoover lo usa: invece di usare i media, manda tramite il grande schermo un’informazione in tutto il paese. Nessuno lo aveva mai fatto prima. E’ un personaggio estremamente innovativo, mentre Dillinger sta diventando obsoleto, perchè il mondo va avanti. Lui è il meglio del suo genere, ma è solo. Non si tratta di un tema nuovo, lo troviamo già ne ‘Il mucchio selvaggio’”.

Cosa ha chiesto a Depp e Bale per il faccia a faccia? E in generale, come lavora con gli attori?
“Lavoro in maniera tradizionale, faccio sì che si immergano nel personaggio, che ci siano esperienze che li trasportano in quel momento e li facciano pensare come loro. E loro sono straordinari e immediati. Noi abbiamo cercato di apprendere il più possibile da quello che avevamo: con Johnny siamo andati a Crown Point mentre con Bale, abbiamo cercato di trasformarlo realmente in un aristocratico del Sud degli anni ’30 come era Purvis”.

servizio di LUCA SVIZZERETTO e GIANLUCA MEOLA

(tratto da Nuovo Oggi di giovedì 29 ottobre 2009) – Vince Vaughn e Malin Akerman sono arrivati a Roma per presentare ‘L’isola delle coppie’, la pellicola diretta dal produttore Peter Billingsley (alla sua prima regia), e scritta dallo stesso Vaughn con Jon Favreau e Dana Fox.
Il film, girato a Tahiti e precisamente a Bora Bora, racconta le vicende di quattro coppie del Midwest che partono insieme per una piacevole vacanza allo scopo di salvare il matrimonio di una di esse. L’isola, infatti è nota per un particolare tipo di terapia di coppia che, però, si scopre solo dopo, essere obbligatoria per tutti. Le coppie scoprono presto che nulla è come sembra, specialmente nei loro rapporti.
Una commedia frizzante che fa dei paesaggi da favola il suo punto di forza. Negli States questa produzione ha sbancato i botteghini già alla sua prima settimana nella sale e promette di ottenere discreto successo anche in Italia, dove amore e sole sono sempre in mix molto apprezzato dal pubblico, specialmente da quello più giovane.
“Erano 30 anni che un film non veniva girato a Tahiti”, racconta il regista alla conferenza stampa, (iniziata con una performance di ballerini polinesiani). Da single impenitente Vince Vaughn dice “con ‘L’isola delle coppie’ ho voluto fare un film che parlasse delle cose positive della famiglia e dei genitori”. “Forse non si possono risolvere tutti i problemi, ma bisogna divertirsi finchè c’è tempo. – sostiene l’attore e produttore americano – Io sono stato single per tantissimo tempo, ma a un certo punto le cose cambiano, le priorità diventano altre: famiglia e figli”. Poi però parla anche della sua carriera: “io mi sono basato sul lavoro. Il lavoro è importantissimo, perchè attraverso esso si può crescere. Certo le cose possono non andare sempre bene. Anch’io all’inizio della mia carriera ho avuto delle difficoltà, ma quando le cose vanno male si impara tantissimo, più che quando vanno bene perchè si capisce anche quale è il proprio potenziale. Questa è la cosa bella della vita”.
Nel film Vaughn interpreta un marito che di professione produce videogiochi e, a proposito del ruolo dei videogame nella società, dice “sono un’ottima cosa ma non bisogna farsi alienare, lasciare da parte famiglia e amici per vincere alla fine un trofeo virtuale”.
“Faccio sempre dei film che possano relazionarsi bene con l’uomo comune” – continua Vaughn – “In effetti in questa storia io impersono le problematiche che tutti noi abbiamo: famiglia, figli e via dicendo”.
quando gli chiediamo del suo doppio ruolo di produttore e attore la sua risposta è chiara: “In realtà, come ricorderete,ho iniziato scrivendo perchè scrivere aiuta a recitare”.
Tornando invece al suo personaggio e alle problematiche quotidiane che affronta nella pellicola: “La vita è sempre molto complessa proprio per questo motivo dobbiamo tenerci strette le cose a cui teniamo maggiormente”.
Durante le riprese Vince si è trovato anche a nuotare in mare aperto, circondato da squali, un’esperienza difficile da dimenticare: “sono cresciuto in una città senza mare e quindi all’inizio ho dovuto necessariamente abituarmi ma è stata un’avventura molto interessante”.
Malin Akerman si limita a poche parole nella consueta conferenza stampa. Spiega come sia intenzionate a fare presto un figlio anhce nella vita reale e quindi come recitare questa parte sia stato per lei una specie di esperimento per prepararsi. Tanti sorrisi per tutti dipinti un uno volto splendido che farà senza dubbio la fortuna di questa attrice emergente che abbiamo già avuto modo di apprezzare in ‘Watchman’, ‘Lo spaccacuori’, ‘Ricatto d’amore’ e ‘27 volte in bianco’.
‘L’isola delle coppie’ arriverà nelle sale italiane il prossimo 4 dicembre distribuito dalla Universal.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di martedì 27 ottobre 2009) – Per Carolina detta Caro, 14 anni, ci sono le amiche del cuore, Alis e Clod, con le quali condividere i giorni e i sogni. Ci sono i primi baci rubati nella penombra del portone. C’è la scuola, due nonni meravigliosi che la sanno guardare in fondo all’anima e un fratello leggendario, Rusty James, che aiuta il suo cuore a sognare. E poi c’è l’amore, quello vero, che ha il nome di Massimiliano, incontrato in una libreria un pomeriggio di settembre.
Questa la sinossi del nuovo film di Federico Moccia, presentato a Roma, dal regista insieme a gran parte del cast. Veronica Olivier che interpreta la protagonista Carolina, Beatrice Flammini e Flavia Roberto le sue amiche del cuore, Pamela Villoresi la mamma, Raniero Monaco Di Lapio il fratello, Riccardo Garrone il nonno, Cristina Marino una delle compagne di scuola mentre Giuseppe Maggio è Massi, il protagonista maschile.
Quindi dopo le storie d’amore da 18enni e quella tra un 30enne ed una 17enne per Moccia uno sguardo a l’età in cui si è in piena adolescenza. Sogni, speranze e modi di vivere di una generazione che cresce e ha grande voglia di farlo.
Diverte questa pellicola e allo stesso tempo riesce perfino a far riflettere con un finale affatto scontato e affatto a lieto fine.
Girato con cura presenta poche sbavature e risulta godibile per quanto qualche cosa di fastidioso potrebbe anche esserci. A cominciare dalle innumerevoli pubblicità, per nulla occulte, che si trovano sparse nel corso della storia e che in alcune situazioni appaiono così gratuite e poco spontanee da ricordare i coprotagonisti di Jim Carrey in Truman Show.
A questo aggiungiamo che il regista romano continua a descrivere una certa classe sociale, abbastanza borghese, dimenticandosi che l’amore e l’adolescenza esistono per tutti anche per chi guadagna 800 euro al mese e vive in otto nella stessa casa.
Nonostante questi appunti, che non potevamo non sottolineare, la storia risulta piacevole e frizzante, si dipana con semplicità ed il tempo, durante la visione, scorre velocemente. Buon segnale per una commedia.
Prodotto da Medusa con Marco Belardi, budget di 4 milioni e mezzo di euro, di cui 150mila per la colonna sonora, scritta tra gli altri dalla vincitrice dell’ultima edizione di ‘Amici’, Alessandra Amoroso, Amore 14 e’ l’ennesimo prodotto del fortunato filone adolescenziale di Moccia: “C’e’ chi odia i lucchetti, ma ci sono pure dei cinquantenni che vengono da Frosinone a metterceli: ovviamente, io amo i secondi, ho un lato fortemente romantico, per qualcuno sara’ una debolezza”.
Definendo i 13-14enni “un canto leggero nel grande rumore della nostra vita”, Moccia respinge le accuse di averli mostrati “troppo precoci”, soprattutto nell’approccio alla prima volta: “Se hai accanto la persona giusta, a 13 anni inizi a pensarci. Ma questo film vuol dire che non bisogna avere fretta, ma dare importanza e valore a ogni cosa che facciamo. Non esiste un’eta’ per la prima volta, e io non la indico, viceversa mi auguro che possa essere un grande amore e qualcosa di cui poter parlare, innanzitutto con i genitori”.
Con il cammeo di Michela Quattrociocche e le Onde, che ritroveremo a febbraio in Scusa ma ti voglio sposare, Amore 14 e’ “a differenza di un libro, un progetto condiviso con grandi professionisti, da Pamela Villoresi e Riccardo Garrone nel cast al direttore della fotografia Marcello Montarsi e le musiche di Fabrizio Bondi”, sottolinea Moccia, concludendo sul mancato happy ending del film: “Anche a 13, 14 anni le delusioni esistono, e bisogna esserene consapevoli: si puo’ essere traditi, anche dalla migliore amica”.
“Rircordo i miei 13, 14 anni con serenita’, divertimento ed emozione: e’ un momento delicatissimo, segnante e formante, che credo l’immagine di una finestra che si apre sul mondo raffiguri bene”, dice il regista, che sottolinea come “questo film-traghettatore aiutera’ i 13 e 14enni a vivere con serenita’ le interrogazioni, come gia’ successo con i miei precedenti”.
“Memore de Il giovane Holden e della bravura di Salinger, ho dato una chiave femminile alla narrazione, inquadrando una scuola pubblica dove esistono incredibili momenti di incontro, spesso non ripetibili, tra classi sociali diverse”, prosegue il regista, che smorza anche le polemiche sull’autodefinizione di nuovo Muccino, che a Gabriele non e’ andata giu’: “Ero alla radio, e ho parlato di me quale Moccino, una battuta che evidentemente non e’ stata felice”.
La protagonista Veronica Olivier nella realtà ha 19 anni e 17 ne ha Giuseppe Maggio. Tutte le altre ‘attrici’ hanno però 15 anni e se Flavia Roberto ha studiato per anni recitazione e un domani vuol proseguire su questa strada lo stesso vuol fare la bella Beatrice Flammini che però spiega di essersi trovata in questa situazione per caso e che solo pochi giorni prima di iniziare le riprese voleva studiare per diventare medico.
Le attrici di Moccia sono l’esempio, nel mondo reale, di come i suoi personaggi siano molto vicini alla realtà.
Una realtà giusta e piena di buoni sentimenti o sbagliata e vuota? Su questo si discute e si è sempre discusso da quando ‘Tre metri sopra il cielo’ diventò un cult generazionale.
Oggi si continua a discutere.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovi Oggi di sabato 23 ottobre 2009) – In una serata di gran gala sono stati consegnati i premi per l’edizione 2009 del Roma Film Fest. Serata presentata da un’emozionatissima Vanessa Incontrada, che più volte è incappata in qualche comprensibile ‘papera’ e di cui è diventato presto mattatore uno scatenatissimo Carlo Verdone. Specie quando si è trattato di consegnare il Marc’Aurelio d’Oro alla Carriera a Meryl Streep. Sulle note di ‘Mamma Mia” e mentre tutti applaudono e urlano, mentre sfilano le immagini dei suoi cult movie, e tutti ballano e battono a ritmo le mani, Meryl Streep sale sul palco, introdotta da un pensiero di Vanessa Incontrada: “Un’attrice che dal primo film ti entra negli occhi e nel cuore”. Lei corre sui tacchi e accenna un passo di danza, bacia il presidente della giuria Milos Forman (grande regista). “Ohhh” sospira e giu’ la sala con le urla. Prova a parlare italiano, poi si scusa per non riuscirci come Helen Mirren (che nel ricevere il premio come miglior attrice si era preparata tutto un foglio da leggere in italiano ringraziando le grandi attrici del nostro cinema), ma dice rivolgendosi a Helen: “Non dimenticare Giulietta Masina e Silvana Mangano e la Madonna delle attrici, Eleonora Duse”. “Dopo 30 anni e aver restituito tutti i prestiti a quelli che mi avevano dato i soldi, provo grande gratitudine perche’ un attore non e’ nulla se non qualcuno che ascolta e parla. Abbiamo bisogno di sceneggiatori registi giovani e produttori per fare film e un attore ha bisogno di altri attori, quindi non sono sola qui sul palco”. Per lei il premio arriva da Giuseppe Tornatore. “So di dare un grande dolore a Carlo Verdone – dice Tornatore – Meryl e’ la sua attrice preferita, e vorrebbe essere al mio posto”, allora Meryl si avvicina a bordo palco e Verdone irrompe in piena cerimonia e corre da lei per stringerle e baciarle le mani. Tutti a ridere e ad applaudire. “Attrice che non smette di stupirci e di insegnarci tante cose”, dice Tornatore. Tutti in piedi per lei.
Con la Streep sul palco, il suo vestito ricco di lustrini ed i flash impazziti dei fotografi per un attimo si è pensato di essere alla Notte degli Oscar. Solo per un attimo però sia chiaro.
La Streep ieri in mattinata ha anche ricevuto dalle mani del sindaco di Roma, Gianni Alemanno, la ‘Lupa Capitolina’, riconoscimento che viene consegnato a tutti i più grandi ospiti della città.
“Sono molto soddisfatto dell’edizione di quest’anno del Festival del cinema. Rispetto all’anno scorso abbiamo avuto una crescita da tutti i punti di vista: afflusso di pubblico, stampa, qualità della rassegna”. Il primo cittadino ha sottolineato come il Festival del cinema, sul quale l’amministrazione comunale ha intenzione di continuare a investire, “serva non solo come immagine, ma anche come modo di far crescere la nostra città”.
Nell’ordine quindi ecco i vincitori: Marc’Aurelio d’Oro al miglior film scelto dal pubblico a ‘L’uomo che verrà di Giorgio Diritti’; Marc’Aurelio d’Oro al miglior film scelto dalla giuria a ‘Brotherhood’; Marc’Aurelio d’Argento al film scelto dalla giuria a ‘L’uomo che verrà’ di Giorgio Diritti; Marc’Aurelio d’Argento della Giuria alla migliore attrice a Helen Mirren per ‘The Last Station’; Marc’Aurelio d’Argento della Giuria al migliore attore a Sergio Castellitto per ‘Alza la Testa’; Marc’Aurelio d’Argento Alice nella città sotto i 12 anni a ‘Last Ride’ di Glendyn Ivin; Marc’Aurelio d’Argento Alice nella città sopra i 12 anni a’ Oorlogswinter Winter in Wartime’ di Martin Koolhoven; Marc’Aurelio d’argento al miglior documentario per la Sezione L’Altro Cinema Extra a ‘Sons of Cuba’ di Andrew Lang.
Non ci allunghiamo troppo nei commenti ma senz’altro restiamo dubbiosi nel vedere che Reitman con Clooney non hanno conquistato neppure un riconoscimento quando a giudizio di molti ‘Up in the air’ era probabilmente la miglior pellicola in concorso.
Prima della premiazione ufficiale, svoltasi ieri in serata nella Sala Sinopoli (la più capiente dell’Auditorium), al mattino sono stati assegnati i premi collaterali
Premio “La meglio gioventù” del ministero della Gioventù per il miglior film in concorso legato al mondo dei giovani e dedicato ai temi educativi e civili assegnato a: “L’uomo che verrà” di Giorgio Diritti;  Premio Libera Associazione Rappresentanza di Artisti (L.a.r.a.) alla migliore interprete italiana a: Anita Kravos per “Alza la testa” di Alessandro Angelini; Premio Enel Cuore al miglior film sociale (sezione L’Altro Cinema | Extra) a: “H.o.t. – Human Organ Traffic” di Roberto Orazi; Premio Farfalla d’oro (Agiscuola) a: “Brotherskab” di Nicolò Donato;  Premio al Miglior progetto europeo (La Fabbrica dei Progetti) – Levi’s a: “No one’s child” di Stefan Arsenijevic;  Premio Ikea a: “The Cove” di Louie Psihoyos; Premio Hag a “Latta e cafe” di Riccardo Dalisi;  Premio speciale “10eLotto” a: Alba Rohrwacher.
Negli incontri di rito con la stampa i primi a parlare sono stati gli organizzatori, in testa Gianluigi Rondi e Piera Detassis.
Anteprime mondiali e anteprime europee, film gia’ passati ad altri festival d’oltreoceano e poi sbarcati a Roma. Puntuali le polemiche di fine festival hanno eceggiato ieri all’Auditorium sulla scelta dei film: “Roma e’ un  festival che si rivolge al grande pubblico – ha dichiarato il direttore artistico Piera Detassis nel corso della conferenza stampa – perche’ privarlo di film straordinari come ‘Up in the Air’ con Clooney solo perche’ e’ stato gia’ presentato al festival di Toronto, dove mi sembra vadano solo tre giornalisti italiani. Nei nostri sogni c’e’ indubbiamente quello di avere anteprime mondiali, ma poi se ci riserviamo delle anteprime europee come da regolamento, si scatena puntuale questo malinteso che ricicliamo film da altre parti. Noi siamo l’unico festival cui viene rimproverato questo, quando il livello del regolamento del festival prevede anteprime europee o anteprime mondiali. ‘Up in the air’ e’ andato a Toronto, ma io me lo porto a Roma”. Ha aggiunto il presidente Gian Luigi Rondi: “L’idea di non avere un film solo perche’ presentato a Toronto mi sembrava davvero un peccato. Questo di Roma e’ un festival altro, seguiamo un percorso nostro e personale, e in questo modo vogliamo andare avanti,senza voler fare concorrenza a nessun altro, perchè sul fronte dei festival siamo tutti amici. Stasera per esempio viene Marco Muller direttore di Venezia per salutare il nostro festival”.   Qualcuno in sala, ha chiesto provocatorio alla Detassis quant’e’ costata Meryl Streep, lei ha replicato: “E’ venuta con l’aereo di linea, nessuna star c’e costata niente. C’e’ da chiedersi quanto ci costerebbe un’anteprima mondiale e perche’ l’anteprima mondiale non arriva. La nostra linea e’ non pagar per avere le star, le ospitiamo in albergo per tre giorni”.
I registi vincitori, quindi Nicolo Donato e Giorgio Diritti a precisa domanda hanno risposto che al momento non stanno lavorando. Il primo studia un progetto di cui non può ancora parlare mentre il secondo è in attesa di vagliare diverse ipotesi. Non sembrano felici della nostra scomoda domanda ma la realtà è che chi vince solitamente lavora se per loro non è così c’è da riflettere.
Donato infine ringrazia il sindaco Alemanno che aveva espresso poco prima in una nota soddisfazione per questa assegnazione “in un momento in cui c’è bisogno di educare alla tolleranza”.
Siamo giunti alla fine e sono già definite la date per le prossime edizioni del Festival internazionale del Film di Roma. Il prossimo anno, la kermesse sara’ dal 29 ottobre al 6 novembre, in base a date gia’ concordate, firmate e stabilita in accordo con l’Accademia di Santa Cecilia. Lo annunciano in conferenza stampa oggi all’Auditorium il direttore generale Francesca Via. Per il 2011 si confermano sempre a fine mese ottobre, con inizio tra 27 e 29 ottobre. “Abbiamo gia’ avvisato il Festival di Torino, con cui andiamo a ridosso – avverte Francesca Via – Ma nel 2011 si concludera’ il triennio di programmazione siglato lo scorso anno. Dopo dal 2012 torneremo ad aprire la manifestazione a meta’ ottobre, tra il 13 e il 15. Abbiamo gia’ fissato le tre date del triennio successivo e si attesta al 15 ottobre. Abbiamo voluto fare una programmazioni su periodo lungo”. Doppio appuntamento per il Festival perche’ il mandato di Gian Luigi Rondi da presidente della Fondazione Cinema per Roma scade nel 2012.
Termina anche il nostro diario quotidiano e speriamo in un’edizione 2010 ricca di pellicole di valore e che sappia premiare tutti coloro che lo meritano davvero. Se George Clooney ci leggesse ci strizzerebbe l’occhio.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di venerdì 23 ottobre 2009) – Ieri fuoco e fiamme per l’ultima grande giornata prima della due giorni che vedrà la consegna dei premi minori e maggiori e la proiezione di gala dei film vincitori.
Tre eventi di cui parlare e da sottolineare. I fratelli Coen con ‘A Serius Man’, Meryl Streep con ‘Julie & Julia’ e l’evento più atteso dai teenager avvero il red carpet e la presentazione (20 minuti di scene) di ‘New Moon’, secondo capitolo della saga di ‘Twilight’.
Il film dei Coen ironizza su una certa categoria della società statunitense e lo fa in modo assolutamente graffiante. Difficile quindi ridere a crepapelle, si ride a denti stretti e se non è così allora il sospetto è quello che la pellicola non sia stata ben capita. Cosa possibile visto che il tutto è piuttosto difficile da interpretare fino in fondo e non è certo il lavoro più lineare dei registi premio Oscar.
Un film “decisamente americano”, che racconta la storia di un ebreo in una cittadina del Mid Wed e dove anche parte dei personaggi sono “attori locali”, hanno ammesso i fratelli Joel e Ethan riguardo alla loro opera fuori concorso. “Il film è girato nel posto dove siamo cresciuti – ha spiegato Ethan Coen all’Auditorium – ma nella storia non c’è nulla di personale, di autobiografico. Il luogo è stato il punto di partenza, tutto il resto è finzione”. Protagonista del film è Larry Gopnik, interpretato da Michael Stuhlbarg, anche lui presente alla conferenza stampa, nei panni di un professore di fisica in un’università del Mid West che, alla ricerca di perduto equilibrio, chiede consiglio a tre diversi rabbini. “Michael è cresciuto in California e vive a New York”, ha detto Joel Coen, “ma mio padre era del Mid West, quindi chissà”, ha scherzato l’attore.
“Volevamo fare un film su personaggi ebrei, – ha detto Joel Coen – in un contesto specifico, in un’epoca specifica”. “Noi siamo ebrei – ha aggiunto Ethan Coen – e questa è una parte enorme della nostra identità ed ha un’influenza enorme su quello che facciamo. Forse chissà, in questa identità c’è anche un certo pessimismo”. Nel film si racconta la sensibilità ebraica del Mid West, hanno ripetuto più volte i fratelli Coen.
“Quella di Woody Allen – ha aggiunto Joel – è invece una sensibilità ebraica tipicamente newyorchese, diversa da quella di questo film”. “Se Antonioni fosse cresciuto a Minneapolis, chissà, – ha detto Ethan Coen – le cose sarebbero andate diversamente”. “Non so se il film descrive il vuoto della società americana”.
Se “A serious Man” sia una commedia o meno? Per Ethan Coen “è semplicemente una storia”.
Molto più divertente, limpido ed apprezzabile è invece la pellicola che vede protagonista la mitica Meryl Streep. Peccato solo che non si sia trattato di un’anteprima ma che in realtà in Inghilterra, ad esempio, è già nei cinema da diverse settimane.
Una pura celebrazione del gusto per la vita. Meryl Streep seduce la folta platea di giornalisti condensando il cuore del suo nuovo film “Julie & Julia”, che racconta due vite parallele ai fornelli, quello della famosa tv chef Julia Child negli anni ‘50 e l’attuale emula con tanto di blog: “Quello che conta è l’amore il sesso e cibo e’ la gemma che brilla in questo film, il messaggio che si nasconde. Il potere soldi carriera sono elementi che mettono in ombra le cose che contano nella vita”. Simpatica e brillante, strappa applausi ad ogni risposta, è un’emozione solo a vederla nella sua calma serafica e nella signorilità piena di charme con cui sopporta problemi tecnici di traduzioni (tra cuffiette che non funzionano). Ogni volta che si parla delle sue interpretazioni, si ricorre a complimenti superlativi: “Ovviamente ringrazio moltissimo, mia mamma mi ha insegnato le buone maniere. Tutti questi riconoscimenti e superlativi non incidono più di tanto perché io conosco i miei difetti e debolezze. E’ proprio la fragilità umana che mi interessa esplorare come attrice, ciò che non e’ perfetto. Sono sempre alla ricerca di qualcosa che mostra fragilità e difetti” Ha conosciuta la vera Julia Chiald? “No, mai incontrata purtroppo. Ma ho avuto uno scambio con lei per posta perché nel 1989 ero attiva nel movimento dello slow food cercavo di promuovere il concetto di mangiare bene e sano. Si chiamava Mothers and Others. La contattammo ma fu scorbutica, non ci diede nessun sostegno, poi e’ diventata più aperta, si era lasciata influenzare da persone che lei rispettava”. Lei cucina: “Tutte le sere, sono brava, magari non sempre tutte le sere”. Ma quali sono gli ingredienti per una vita fortunata tra lavoro e privato? “Primo ingrediente, un buon marito. Io l’ho trovato 31 anni fa. Poi, energia resistenza e grande capacità organizzativa”. E rivela “Con questo film volevo rendere omaggio a mia madre, aveva la stessa età, era della stessa epoca, aveva la stessa gioia di vivere. Quando entrava in una stanza la illuminava, era bravissima a comunicare il suo entusiasmo. Il film è stata per me l’opportunità di interpretare una donna esistita veramente ma tenendo presente una donna che ammiravo, un’opportunità di interpretare una donna che sceglie di guardare alle cose belle della vita”.  Sul caso Polanski: “Mi spiace che si trovi in carcere”.
Sta al gioco anche con le domande più bizzarre, se la frase clou della diva chef “tutti possono disossare un’anatra” poteva ispirarsi al motto di papa Woytila, e lei replica: “sono d’accordo col papa e con Julia sull’anatra, bisogna provarci con tutte se stesse. Una delle opportunita’”. Sul premio Nobel a Obama, commenta: “Sono d’accordo col Nobel a Obama per cuo’ che lui ha promesso, forse non gli abbiamo dato tempo per mantenerle ma e’ sulla buona strada. Lui ha conseguito qualcosa di sostanziale nel cucire amicizie importanti nel mondo”. Quando dichiara di evere 60 anni, fioccano gli applausi in sala, e se tempo fa una diva di Hollywood rimasta anonima ha pubblicato una lettera su un noto giornale in cui chiedeva alla figlia di non fare l’attrice elencando tutte le spiacevoli e negative situazioni, lei commenta: “Non potrei mai scrivere una lettera cosi, la mia e’ stata una vita fortunatissima, nella nostra professione ci sono carriere diverse. C’e’ chi incarna il glamour io non mi sono mai concentrata su questo, ma sul mio essere attrice. E come attrice potevo fare un uomo una donna una vecchia signora grassotta, e ho sempre pensato a me come fatta d’argilla da plasmare. Adesso l’attenzione asfissiante ad essere magre e bellissime. Sotto questa pressione si perde la capacita’ di fare bene l’attrice. Sono felice ma anche preoccupata per le mie figlie attrici, quando arrivano le critiche criticano te e il tuo modo d’essere. Ma e’ una professione eccezionale e sono grata per tutto cio’ che questa professione mi ha permesso di esprimere”. Se un giornalista ricorda l’emozione di quando bambino vide Il Cacciatore, lei risponde: “Sono sorpresa che sua madre le abbia lasciato vedere il Cacciatore quando era piccolo, non si fa”. Si ispira a qualcuno: “Ho tratto ispirazioni da tante, rubo ancora, anche dalle attrici con cui lavoro. Meglio rubare agli uomini cosi’ non se ne accorgono”. Invidia?: “Si per Jessica Lange, che ottenne la parte in Sweet dreams”. All’Oscar ci pensa?: “Per me e’ interessante pensare al lavoro più che ai premi. Ho vinto il mio ultimo Oscar 25 anni fa, e sono onorata quando ricevo nomination, sono gi attori a votare. E’ bello che siano i colleghi a valutare. Poi il voto dipende dall’Academy”. Ha un regista preferito? “Non ho un regista preferito non ho neanche un colore preferito o un cibo, mi piace tutto. Forse con alcuni registi non mi sono divertita tanto, ma sono viziata, ho lavorato con i migliori”. Pensa alla regia un giorno? “Alcuni registi direbbero che gia’ l’ho fatto o ci ho provato. Ho opinioni su tutto e parlo anche di cose che non mi riguardano. I grandi mi permettono di collaborare tantissimo”. Con chi vorrebbe lavorare? “Vorrei che Martin Scorsese avesse interesse per un personaggio femminile per una volta, ma non so se ci sara’ tempo”. E se le si ricorda il gala di attori che la celebrarono anni fa, dice: “E’ stata una delle più straordinarie esperienze della vita, volevo morire. Sono passati cinque anni, una serata straordinaria, avevo il cuore gonfio dalla gioia non pensavo di sopravvivere. Era all’American Institute. Quest’anno dovro’ celebrare Bob De Niro per il più importante premio che un artista puo’ ricevere, saro’ io a presentargli questo premio e sto mettendo a punto il discorso, siamo grandi amici”.
Infine un invasione di giovani e giovanissimi per il red carpet di parte del cast di ‘New Moon’, presenti Jamie Campbell Bower, Charlie Bewley, Cameron Bright e la sceneggiatrice Melissa Rosenberg. Il gruppo ha presentato alcune scene del film in anteprima assoluta prima alla stampa ed a seguire al pubblico. Per quel poco quindi che si è visto il prodotto finale sembra migliore di ciò che ‘Twilight’ ci aveva offerto. Se il primo artisticamente era un prodotto deludente, commercialmente vincente comunque, questo seguito potrebbe offrire una nuova prospettiva anche ai più negativi. Fatto sta che sarà vincente sul piano economico anche questo, vista la mole di ragazzine urlanti in cerca di un atografo e visto che è già in fase di realizzazione il terzo episodio, quello che potrebbe concludere la serie televisiva come ci ha spiegato la Rosenberg.
Con ‘New Monn’ il Roma Film Fest si prepara alle molte premiazioni che avranno luogo già da questa mattina e staremo a vedere se il nostro pronostico si avvicinerà alla realtà. Con ‘Up in the air’ (Reitman, Clooney), trionfante per il pubblico e ‘L’uomo che verrà’, di Giorgio Diritti, sul podio più alto per la giuria.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di giovedì 22 ottobre 2009) – Il Festival di Roma è giunto al settimo giorno di programmazione. Le proiezioni per stampa e pubblico proseguono senza sosta.
Tre nuovi film, di cui parlarvi, presentati alla stampa e che sono stati ieri presentati anche al pubblico.
‘L’uomo che verrà di Giorgio Diritti, ‘Vision’ di Margareth von Trotta e ‘Brotherhood’ di Nicolo Donato.
Si comincia con la strage di Marzabotto vista attraverso gli occhi di una bambina che non riesce più a parlare: in Concorso “L’uomo che verrà”, nuovo film di Giorgio Diritti autore che aveva colpito critica e pubblico con l’esordio “Il vento fa il suo giro”. Diritti affronta con la sua opera seconda uno dei capitoli più tragici della seconda guerra mondiale, la strage di Marzabotto, avvenuta nella notte tra il 28 e il 29 settembre 1944. Tra gli interpreti Maya Sansa, Alba Rohrwacher e Claudio Casadio.
La trama è a metà tra romanzo e storia vera. Inverno, 1943. Martina, unica figlia di una povera famiglia di contadini, ha 8 anni e vive alle pendici di Monte Sole. Anni prima ha perso un fratellino di pochi giorni e da allora ha smesso di parlare. La mamma rimane nuovamente incinta e Martina vive nell’attesa del bambino che nascerà, mentre la guerra man mano si avvicina e la vita diventa sempre più difficile, stretti fra le brigate partigiane del comandante Lupo e l’avanzare dei nazisti. Nella notte tra il 28 e il 29 settembre 1944 il bambino viene finalmente alla luce. Quasi contemporaneamente le SS scatenano nella zona un rastrellamento senza precedenti, che passerà alla storia come la strage di Marzabotto.
Pellicola ben diretta e costruita, piacevole a seguirsi e strutturata a dovere anche se l’argomento in questione non è certo il più originale possibile, esistendo una cinematografia infinita su questo argomento. Diritti riesce comunque a coinvolgere lo spettatore senza dover ricorrere all’arma del patetico e della lacrima facile. Godibile ma scontato, questo in conclusione il giudizio su una pellicola che a nostro avviso, per svariati motivi, si candida seriamente a vincere il premio della giuria come miglior film in concorso (quello del pubblico dovrebbe andare ad ‘Up in the air’ del duo Reitman-Clooney).
La tedesca Margarethe von Trotta, uno dei più incisivi cineasti del New German Cinema, torna sul grande schermo con “Vision”, la storia di Hildegard von Bingen – realmente esistita – decima figlia di una ricca e nobile famiglia tedesca e diventata badessa. La donna si accorge ben presto di avere una spiccata sensibilità visionaria.
Margarethe Von Trotta racconta la genesi di Vision il film dedicato alla vita della mistica medievale Ildegarda di Bingen presentato al Festival di Roma dopo il grande successo ottenuto sia a Telluride che a Toronto “La storia è stata fatta dagli uomini ed è stata scritta dagli uomini, in questo senso per noi donne è importante recuperare le figure femminili emancipate che appartengono al nostro passato” – e ancora – “Vision è un progetto che accarezzavo da lungo tempo e cui avevo già pensato negli anni Ottanta. Avevo scritto una sceneggiatura sulla partecipazione di Hannah Arendt al processo di Eichmann, ma quando l’ho sottoposta al mio produttore, lui era piuttosto interessato a quest’altro soggetto di cui gli avevo parlato qualche anno prima”.
Terzo film in Concorso, di cui parliamo oggi, è il danese “Brotherhood” su due neonazisti che nascondono il loro rapporto omossessuale, sino al dramma finale. Diretto dall’esordiente Nicolo Donato, regista tedesco di origine italiane. Cupo e violento, certamente lascia sconvolti, più per l’aggressività delle scene che per sceneggiatura e svolgimento che appaiono alquanto banali e semplicistiche. Ora tutti i buonisti si schiereranno al fianco di questa pellicola che si pone in difesa della degli omosessuali. In realtà tutta la questione sociale si riduce ad un banalissimo soggetto: i neonazisti sono picchiatori notturni e i gay sono le loro vittime. Si esce dalla sala con la sensazione di aver assistito ad un ottima regia ma nulla più.

servizio di LUCA SVIZZERETTO

(tratto da Nuovo Oggi di mercoledì 21 ottobre 2009) – ‘Io, Don Giovanni’ di Carlos Saura ha deluso ed in particolar modo annoiato la maggior parte dei giornalisti presenti ieri in sala, perchè dalla durata eccessiva e della sceneggiatura eccessivamente teatrale per una pellicola a metà tra quella di genere e quella d’autore.
‘Qingnian’ del regista cinese Geng Jun ci è invece sembrata uno scherzo, di cattivo gusto per giunta. Girato completamente in digitale manca di ogni base per essere considerato un lungometraggio nel senso cinematografico del termine. Sembra il gioco di un gruppo di amici che una sera, senza nulla da fare, decidono di fare un filmetto con la telecamera che la famiglia usa per le vacanze. Testi elementari e alle volte infantili, attori che certamente non sono tali, assenza di un sonoro degno di questo nome, di una sceneggiatura articolata. Insomma stiamo sprecando anche troppe parole, mentre gli organizzatori dovrebbero spiegarci il perchè di questa scelta.
La sorpresa positiva arriva invece dove non ti aspetti. ‘Oggi Sposi’ di Lucini (Tre metri sopra il cielo) e una commedia allegra, divertente, frizzante ed anche dalla tematica estremamente intelligente e positiva. Si parla infatti del matrimonio e dell’amore tra persone di culture diverse e dell’integrazione in casi come questi. Con una chiusura a lieto fine che dovrebbe far riflettere tutti in un momento dove in Italia accadono episodi di cronaca nera che vedono padri scannare le proprie figlie proprio per motivi come questi.
Inoltre Lucini ha messo insieme un cast di tutti rispetto che vede il ritorno sul grande schermo di personaggi amatissimi dal pubblico italiano su tutti Renato Pozzetto (in splendida forma) e un Michele Placido che veste dei panni comici in modo, possiamo dire, semplicemente perfetto.
Si parla quindi del matrimonio italiano nel terzo millennio. Coppie multietniche in salsa Bollywood e Taranta, fidanzatini precari squattrinati, coppie soubrette stile “veline” con figli di papà con i soldi, che si rivelano magnati della finanza dai loschi giri d’affari, e uomini d’antan che cercano la moglie supergiovane. Presenti ieri all’Auditorium per presentare la pellicola, Luca Argentero, Isabella Ragonese, Francesco Montanari, Carolina Crescentini, Moran Atias, Gabriella Pession, Dario Bandiera, Filippo Nigro, e gli sceneggiatori Marco Martani, Fabio Bonifaci Fausto Brizzi, e il produttore Riccardo Tozzi di Cattleya. Film divertente e brillante, con un super-cast di gran richiamo, ma il regista prende le distanze dal “rischio” cine-panettone e punta alla “Rinascita della commedia”: “Lo sforzo e’ di rendere attuale un genere nostro, che appartiene alla storia  del cinema italiano, come la commedia all’italiana, e gli ingredienti per noi sono la sceneggiatura e la recitazione. Sono convinto che  una volta si esportava la commedia all’estero, grazie ai nostri autori, e ora inizia un nuovo periodo per questo genere. Il  cinepanettone, invece non e’ facilmente vendibile, e’ un fenomeno locale”. Come ha costruito un cast cosi’ imponente: “E’ stato bello la sceneggiatura era forte, e avevamo una gran voglia di dare nuova forza ad un genere come commedia all’italiana. Tutti hanno aderito con entusiasmo, e si sono divertiti a fare un lavoro insolito, anche andando sopra le righe”. E se i personaggi appaiono sopra le righe, commenta il regista: “Guardando e amando la commedia, ci sono esempi di capolavori in cui la recitazioni e le  caratterizzazioni sono sopra le righe, ma diventano macchiette quando non sono supportate da bravi attori e sceneggiatori bravi. Sono contento di aver trovato l’equilibrio”. La premiata ditta Brizzi Martano, avvertono: “Per noi e’ vacanza, un lavoro di sceneggiatori per un regista. Cerchiamo di ricreare una nuova commedia all’italiana.
Puramente comico senza volgarita’”. Se i personaggi richiamano l’attualita’ avverte Tozzi: “Dietro c’e’ un film, la vita di un paese non e’ totalizzata dalla politica altrimenti dovremmo suicidarci subito seduta stante”.
Ma nel dettaglio dei personaggi, c’e’ Filipo Nigro che diventa il Pm Di Caio alle prese col magnate mafioso: “L’idea del magistrato nasce  dall’emotivita’ che avvolge un professionista come questo in Italia Prende sul serio il suo lavoro come una missione, lo assorbe e quindi e’ un disadattato”. Al suo secondo film con Licini dopo “solo un padre”, Luca Argentero: “Se dovessi accettare un accordo che prevede di lavorare con Luca tutta la vita, lo firmerei ad occhi chiusi. E va oltre il normale rapporto attore regista, perche’ stare sul set con Luca e’ piacevole. E’ il regista che crea l’atmosfera e la migliore aria l’ho respirata con lui”. Nelle sale da venerdì 23 ottobre con 400 copie, nel film spicca anche la soubrette esuberante interpretata da Gabriella Pession: “Non la chiamate velina! Tutti si accaniscono sulla categoria delle veline, ma non mi sono ispirata a loro. Ho preso spunti dal panorama femminile, non e’ difficile trovarne, omologato com’e', basta aprire un giornale qualsiasi. Non sono bacchettona ma ho una sguardo ironico, ero un po’ spaventata a prendere questa strada di un personaggio cosi’ sopra le righe ma non c’era altro modo di farlo. Mi dispiace questa idea di femminilita’. Ci fanno credere che un’ottava di tetta fa la differenza e’ u’immagine aberrante della donna che ci viene buttata li’ ogni giorno. E’ un personaggio esagerato come se fosse sempre in un reality”. Del mix Bollywood e Taranta nel finale, ha spiegato Brizzi: “io sono pugliese e Placido e Pannofino li ho descritti come sono i miei parenti, solo che loro ballano molto meglio e sudano di più. Bollywood e’ un po’ una moda, il tema di tutto l’episodio racchiuso in un balletto. A proposito di Placido, che nel film e’ il padre contadino e all’antica di Luca Argentero: “Da Placido regista a compagno di set in un ruolo cialtrone. Sapevo di avere una scena in cui lo mandavo aff…, dopo aver passato otto mesi a sudare ho affrontato quella scena con trasporto, e’ stata una catarsi importante. Placido ha una comicita’ innata”. E Nigro di Pozzetto, che nel film e’ suo padre prossimo a sposarsi con la giovane Crescentini, ha raccontato: “Con Pozzetto cercavo di darmi un tono e rimanere maturo senza arrivare a citargli la scene dei suoi film. Finche’ un giorno ho rotto e gli ho detto ja canistracci oil’, citando un’azione che lui broker vendeva in Mia moglie è una strega. Dopodiché si e’ scatenato l’inferno a chi gli chiedeva le battute”. Dario Bandiera fail suo show di cabaret, Isabella Aragonese, con cui fa coppia nel film lo segue. Francesco Montanari, diventato noto per il “libanese” di Romanzo Criminale: “E’ stato divertente rispetto al cattivone ho fatto un cialtrone”. Crescentini: “Sono fiera di aver baciato Pozzetto”.
Cambiando film, promosso anche ‘Marpiccolo’ di Alessandro Di Robilant, che racconta della Taranto sottomessa alla cupola mafiosa e della vita di un ragazzo del posto che si trova travolto, suo malgrado, in una spirale che rischia di distruggere la sua vita per sempre. Educativa e ben girata la pellicola concorre per la categoria ‘Alice nella città’ dedicata ai giovani e promette di ottenere un buon piazzamento.
Ieri è tornato a parlare, al Parco della Musica, anche il sindaco di Roma Gianni Alemanno: “Serve una ristrutturazione, una riforma del Fus e non un ridimensionamento”. Queste le importanti parole del primo cittadino intervenuto agli Stati Generali del Cinema italiano. “Sono convinto – ha detto – che il cinema italiano debba essere finanziato dallo Stato, un fatto ineludibile. Ci devono essere risorse pubbliche. Dall’altro lato pero’, – ha continuato – bisogna andare verso il reale riconoscimento della qualita’ e del merito, per superare ogni forma o sospetto di clientelismo e lottizzazione, di autofinanziamento a club ristretti”. “Bisogna creare un meccanismo di assoluta trasparenza – ha aggiunto – e di partecipazione per l’assegnazione dei fondi. Questa e’ la sfida che abbiamo di fronte”. Secondo Alemanno le risorse devono essere utilizzate “non solo per la produzione – ha  concluso – ma anche il consumo”.
Alemanno ha poi proseguito: “L’unica cosa che e’ un po’ mancata e’ una rassegna, un ciclo dedicato alla caduta del muro di Berlino, in occasione del 20 anniversario. Me ne sono accorto in ritardo ma alla fine in parte abbiamo recuperato, abbiamo compensato ieri con la proiezione del film Popieluszko, durante la quale ho anche visto piangere Lech Walesa, si e’ commosso. Mi hanno  spiegato – ha aggiunto – che ci sono difficolta’ oggettive perche’ su questo tema c’e’ poca produzione. A novembre faremo una celebrazione a piazza di Spagna” Apprezzamento poi per “i film che visto, mi hanno molto emozionato, alcuni hanno anche evocato valori”.
Il sindaco sempre in occasione della 3 giorni di dibattiti e workshop sullo sviluppo dell’industria cinematografica e audiovisiva al Festival Internazionale del Film di Roma: “I risultati raggiunti sono nettamente superiori all’anno precedente, sia in termini di immagine che di afflusso. Questo significa che stiamo crescendo. E’ ancora presto per fare un bilancio – ha aggiunto – ma appena chiuderanno i battenti del Festival, immediatamente dopo dovremo metterci tutti insieme seduti ad un tavolo per la prossima edizione”. Continuare a sostenere il Festival, non facendo “tabula rasa” con il cambio dell’amministrazione, è stata per lui “una scelta giusta” ha detto. “Dobbiamo però continuare a riflettere – ha detto – su come far crescere questo Festival e renderlo più produttivo. Per me è una scelta irrinunciabile, con oltre 4500 imprese che operano nel settore, Roma è la capitale dell’audiovisivo. E’ quindi inevitabile e imprescindibile un’esperienza come questa ma che deve unire tre aspetti”.  Per il sindaco serve “visibilità nazionale ed internazionale, – ha spiegato – la capacità di coinvolgere gli operatori per far crescere il tessuto produttivo e mantenere il radicamento nella città”. “Noi – ha concluso – come grande città della cultura non possiamo rinunciare alla produzione della cultura, sarebbe una follia non solo per la creatività ma anche come scelta di asset economico”.
L’assessore regionale alla Cultura, Giulia Rodano, intervenuta anche lei insieme al sindaco: “Ho apprezzato le parole del sindaco Gianni Alemanno sul Fus, non credo pero’ che sia necessario sostenere solo la qualita’ ma l’intero comparto del cinema perche’ dove solo dove c’e’ quantita’, c’e’ qualita’”.  “Spero quindi, – ha aggiunto – che per quanto riguarda il Fus si possa invertire la rotta, perche’ a rischio c’e’ l’intero settore, ma soprattutto rischiamo che il prossimo anno il Fus non ci sia proprio”. Nel corso del suo intervento Rodano ha anche parlato del problema del “precariato e del lavoro ad intermittenza, – ha detto – che nel mondo dello spettacolo e’ particolarmente grave”.